Renzo Ortega: Planificando el legado de su carrera artística de 25 años

El artista Renzo Ortega había estado pensando mucho en 🗝 cómo aprovechar al máximo el gran volumen de obras de arte que había acumulado a lo largo de sus 25 🗝 años de carrera. Dos salas de almacenamiento, una en su país natal, Perú, y otra en Carolina del Norte, donde 🗝 vivía, ya estaban repletas de cientos y cientos de pinturas. Cada una mostraba diferentes estilos artísticos, desde el arte folclórico 🗝 hasta el expresionismo y los patrones prehispánicos, incluyendo paisajes vibrantes y obras que capturaban la realidad y las contribuciones de 🗝 inmigrantes latinos como él a la vida estadounidense.

La vida es corta e impredecible, reflexionó en la noche de su 50 cumpleaños, y la muerte 🗝 es la única verdad para un artista a medida que envejece. "Nada garantiza que lo que produce un artista genere 🗝 éxito financiero o reconocimiento cultural", dijo a The Guardian. Algo era seguro: "Si una galería no me ha representado a 🗝 los 50, nunca lo hará".

Al menos, el futuro estaría claro para sus obras de arte.

Al pensar en su legado, también 🗝 se planteó la pregunta: ¿qué significaba el éxito para los artistas fuera del establecimiento del mundo del arte? En la 🗝 ciudad de Nueva York, Ortega estudió en la Arts Student League y obtuvo su MFA en Hunter College. Sus 25 🗝 años de trayectoria incluyen más de 40 exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos locales, además de enseñar pintura 🗝 en prestigiosos departamentos de arte y ganar más de diez subvenciones. A pesar de estos logros, "voy a una feria 🗝 de arte o tengo una exposición, escucho cómo a la gente le encanta mi trabajo, y luego todas las obras 🗝 de arte regresan al cuarto de almacenamiento, sin venderse", dijo.

En un mercado de arte hundiéndose donde, el año pasado, las 🗝 subastas globales de arte fino cayeron un 27% desde 2024 y solo uno de cada cinco artistas exhibió su trabajo 🗝 en un museo, los artistas tienen que cargar injustamente con el peso de "triunfar" en condiciones desesperadas. Las mujeres y 🗝 los artistas de color enfrentan aún más barreras. En los EE. UU., las artistas identificadas como mujeres, los artistas afroamericanos 🗝 y las artistas afroamericanas en todos los géneros y períodos han representado solo el 5,3% de todas las ventas de 🗝 mercado desde 2008 hasta 2024, según el informe Burns-Halerpin.

Los latinos y los artistas indígenas aún no se han contabilizado.

"No tenemos 🗝 escasez de genios creativos y talento", dijo el crítico de arte y curador Charles Moore, quien escribió El mercado negro, 🗝 Una guía para la recopilación de arte. "Tenemos una escasez de emparejar losm con coleccionistas que compran sus obras y apoyan 🗝 su salida creativa".

Independientemente de haber obtenido el reconocimiento de la galería de primer nivel, "toda la obra de arte merece 🗝 ser conservada y es reflexiva de un tiempo y una experiencia", dijo Jason Andrew, socio fundador de Artist Estate Studio.

" Aunque 🗝 el artista no sea internacionalmente celebrado, el arte todavía tiene valor". Sin embargo, se pierde tanto en la historia.

"Un primer 🗝 paso es ser honesto sobre los deseos del artista y tener un plan de patrimonio. En el Reino Unido y 🗝 los EE. UU., esto generalmente significa redactar un testamento o planificar una fiducia", recomienda Ursula Davila-Villa, cofundadora de Davila-Villa & 🗝 Stothart (DVS), que ayuda a los artistas a asegurar un plan de preservación del patrimonio y la tutela.

Además, los creadores deben contextualizar su trabajo 🗝 de manera que aquellos que lo encuentren puedan entenderlo mejor. "Lo más importante que he aprendido es que el artista 🗝 necesita encontrar una manera de que su historia se haga accesible al público para que pueda vivir más allá de 🗝 ellos", agregó Andrew. Esto podría hacerse a través de diarios, grabaciones de historias orales o incluso compartiendo su proceso artístico 🗝 en las redes sociales.

Después de trasladar sus obras de arte a un espacio de almacenamiento más grande, Ortega planea dedicar 🗝 tiempo semanalmente a organizar, firmar, fechar e inventariar todo su trabajo, así como catalogar y archivar sus pinturas. También desea 🗝 buscar asociaciones locales con galerías regionales mediante exposiciones retrospectivas de artistas para que sus pinturas más antiguas puedan salir del 🗝 cuarto de almacenamiento y compartirse con el público. Una exposición survey de sus obras de arte de Nueva York de 🗝 2000-2003 se inaugurará en diciembre en ArtSpace en Raleigh, Carolina del Norte. En cuanto a los recursos, preferiría gastar su 🗝 tiempo y dinero en otros emprendimientos en lugar de asistir a ferias de arte. "Me encantaría mostrarle a mi hijo 🗝 el cuadro de Las Meninas en España algún día o ver el océano en Buenos Aires", soñó.

Al final, si quisiera 🗝 destruir sus piezas, también sería su decisión.

"No tengo una responsabilidad cultural de dar todas mis obras de arte, ni querría 🗝 imponer a mis hijos el pago del cuarto de almacenamiento", dijo Ortega.

Para aquellos que mueren sin un plan para sus 🗝 obras de arte, una realidad común es que estas terminen en la basura. En 2001, cuando el tío de la 🗝 neoyorquina nativa y artista mixta June Kosloff, Dick Lubinsky, murió repentinamente a los 68 años, no pudo permitir que eso 🗝 sucediera y decidió convertirse en la ejecutora de sus pertenencias.

Diagnosticado con diferentes grados de esquizofrenia, Lubinsky estuvo en y salió 🗝 de hospitales en la ciudad de Nueva York entre 1951 y 1958. Aunque Kosloff sabía que su tío era un 🗝 artista, no sabía sobre el gran cuerpo de trabajo que había dejado atrás.

Cuando entró para aclarar el apartamento de Lubinsky 🗝 en el Bronx, Kosloff encontró "un tesoro" de obras de arte nunca exhibidas. Cientos de pinturas, dibujos y cámaras antiguas 🗝 estaban enterradas entre los miles de artículos acumulados que llenaban el apartamento, un cuarto de almacenamiento en Mount Vernon y 🗝 el interior de tres autos.

Había retratos conmovedores de personas del vecindario a medida que Lubinsky capturaba la tristeza, la humanidad 🗝 y la melancolía de las familias sin hogar y otros considerados outsiders. Kosloff quedó asombrada y se dio cuenta de 🗝 que debía mostrar esta colección al mundo.

"En primer lugar, no podía dejarlo ir al campo de Potter", dijo Kosloff, refiriéndose 🗝 al mayor cementerio público de cuerpos no identificados o aquellos que no pueden pagar por el entierro. "Y no podía 🗝 dejar que toda su arte terminara en la basura", agregó.

Kosloff emprendió este viaje, aprendiendo desde cero. "No podía simplemente llevar 🗝 todas las pinturas de mi tío a una gran galería de Nueva York y pedirles que las tomaran", dijo, refiriéndose 🗝 a los establecimientos más prominentes que tienden a trabajar solo con las fincas de artistas que alcanzaron alguna validación comercial.

Después de buscar organizaciones 🗝 sin fines de lucro dispuestas a mostrar al menos una porción de las obras de su tío, Kosloff curó la 🗝 primera exposición en solitario de su tío en Local Project Artspace, un espacio de artistas en Queens, en 2004. El 🗝 arte de Lubinski también se exhibió en una exposición colectiva en 2014 en Fountain House Gallery, una galería con sede 🗝 en Manhattan que representa a artistas contemporáneos con enfermedades mentales, el Museo de Arte de Erie en Pensilvania, varias veces 🗝 en la Feria de Arte de Nueva York y el Museo de Arte Americano Visionario en Baltimore (2009). "El regalo 🗝 que me dieron es que cada voz de artista importa", dijo Kosloff.

El trabajo emocional realizado por aquellos que cuidan del 🗝 patrimonio de un artista suele estar subpagado o no pagado en absoluto. En su práctica, Davila-Villa ha visto una disparidad 🗝 de género de primera mano con sus propios clientes (aunque los estudios formales aún no han cuantificado esto): "La mayoría 🗝 de los cuidadores del patrimonio de los artistas son mujeres, quienes pueden sentirse bastante solas en el largo esfuerzo de 🗝 preservar el legado de un artista, que en la mayoría de los casos es un familiar", dijo.

Para Kosloff, quien siempre 🗝 sintió que su tío estaba allí con ella, este viaje fue consumidor de tiempo y recursos, pero no lo habría 🗝 hecho de otra manera. "Fue lo correcto y siento que logré lo inalcanzable con mi tío, y estaría feliz", dijo.

Aunque 🗝 planea exhibir más de su trabajo en el futuro, Kosloff ahora se está enfocando en su propia práctica y proyectos 🗝 creativos. Sus retratos a gran escala, coloridos y en memoria de familiares y linaje se mostraron en mayo en Positive 🗝 Space Tulsa, un espacio de artistas en Oklahoma, en una exhibición llamada ​Recetas Para La Vida: El Cocinero Afortunado, donde 🗝 también incluye una pintura en honor a su tío.

Sin embargo, pensar en la muerte plantea la cuestión de cómo promover 🗝 a más artistas en la vida. "¿Qué estaba sucediendo cuando esos artistas pintaban, esculpían, trabajaban y qué habría sucedido si 🗝 hubieran tenido apoyo financiero e institucional y validación de coleccionistas y escritores en su vida?" preguntó Moore. "¿Qué habría cambiado?"