La vida cotidiana es la forma más baja de arte

La vida cotidiana es la forma más baja de arte, según ❤️ afirmó la Academia Francesa cuando estableció su Jerarquía de Géneros en el siglo XVII. Las escenas históricas y los retratos ❤️ eran los géneros más nobles, mientras que los paisajes y las naturalezas muertas se consideraban humildes. De acuerdo con el ❤️ Instituto de Arte, los frescos bíblicos requerían un nivel más alto de maestría; una canasta de frutas o un ramo ❤️ de flores marchitas? Cualquiera podía pintarlos.

Esta clasificación moldeó la percepción de la naturaleza muerta como un género marginal. Cuatro siglos ❤️ después, el discurso ha dado un giro. "La representación cuidadosa y meticulosa de objetos siempre ha sido un elemento del ❤️ arte, pero generalmente esto era algo que se veía en el fondo de una escena religiosa o un retrato", dice ❤️ Melanie Vandenbrouck, jefa curadora en el Museo Pallant House en Chichester. Este mes, el museo de Chichester presentará una encuesta ❤️ comprehensiva de alrededor de 150 naturalezas muertas hechas en Gran Bretaña. Cronológicamente trazando su desarrollo, la exhibición presenta el género ❤️ como un género fundamental del arte británico, uno que históricamente ha abordado las experiencias humanas universales de amor y dolor, ❤️ pero también ha ofrecido un comentario radical sobre la desigualdad de género, la crisis climática y la guerra.

El género fue ❤️ traído por primera vez a Gran Bretaña a través de pintores del oro holandés en el siglo XVII. En ese ❤️ entonces, estas pinturas se producían comúnmente para la clase mercante adinerada. Representaban bienes mundanos, pero dentro de eso había motivos ❤️ del memento mori: calaveras, relojes, velas apagadas y frutas en descomposición, todos sirviendo como un recordatorio de nuestra mortalidad. Estos ❤️ símbolos, inherentes al género de la naturaleza muerta, fueron reimaginados por artistas en Gran Bretaña todo el camino hasta el ❤️ siglo XX. La fotógrafa Madame Yevonde lamentó el estallido de la segunda guerra mundial, abrazando una máscara de gas sobre ❤️ un busto tradicional como un sombrío presagio de un conflicto brutal que solo estaba comenzando. A finales de la década ❤️ de 1990, Jo Spence documentó el cáncer que finalmente la mataría, a través de

s diarísticas de sus propias pertenencias.

"Cualquier ❤️ aspecto clave de la condición humana está siendo tratado en la naturaleza muerta", dice Vandenbrouck. Esto es particularmente cierto para ❤️ las artistas del movimiento surrealista, quienes utilizaron la naturaleza muerta para cuestionar su lugar en la sociedad. En 1929, la ❤️ fotógrafa Lee Miller presenció un procedimiento de mastectomía mientras estaba de asignación para el artista surrealista Man Ray. Molesta,

grafió ❤️ un seno amputado colocado en platos como un bistec. Más tarde, vemos a artistas como Jean Cook y Anna Fox ❤️ utilizando la naturaleza muerta para hablar sobre la violencia doméstica. Fox evoca el caos que yace bajo los objetos cotidianos, ❤️ colocando imágenes de los armarios ordenados de su madre junto a las palabras violentas de su padre: "Voy a despedazar ❤️ a tu madre con un cuchillo de ostra."

Hoy en día, artistas contemporáneos están experimentando con nuevas herramientas y procesos, planteando ❤️ preguntas sobre algunos de los temas más apremiantes de nuestro tiempo. Las imágenes vívidas de Maisie Cousins hacen un guiño ❤️ al consumo excesivo como